La rivista Ticontre. Teoria Testo Traduzione (e-ISSN 2284-4473) nasce dall’esigenza di fornire una piattaforma di discussione aperta, che proponga una riflessione sul testo letterario allo stesso tempo innovativa e attenta agli elementi che compongono il centro delle tradizioni critiche dell’area europea e americana.
Il saggio ricostruisce la fisionomia e la storia della rivista «Altri termini», fondata a Napoli nel 1972 e attiva per venti anni circa soprattutto sul fronte della ricerca poetica e della teoria e critica della letteratura. Attraverso una lettura ravvicinata di singoli contributi si mettono a fuoco i tratti distintivi di questa esperienza, la cui forza consiste soprattutto nei molti elementi di contrasto interni alla sua proposta culturale; e si prova a storicizzarne la parabola, da inserire all’interno di quella dialettica fra ‘mito delle origini’ e ‘nevrosi della fine’ che segna gran parte della poesia italiana fra anni Ottanta e Novanta.
Sezione monografica: Le riviste italiane di poesia degli anni ’70-’90
Copyright (c) 2020 Gianluigi Simonetti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Negli ultimi cinque anni si è tornati a studiare le riviste degli anni Settanta e Ottanta con uno sguardo aperto, finalizzato appunto a studiare e non solo a etichettare sulla scia di categorie già determinate. L’articolo considererà non il canone antologico, bensì quello “saggistico” delle riviste: ovvero quali autori del passato ormai concluso vengono indagati, quali maestri del presente, quali autori stranieri, quali punti di riferimento teorico. Ricostruire i punti nevralgici del dibattito poetico può rivelarsi utile per far luce su uno dei decenni di maggior cambiamento della poesia italiana. Si mostrerà che molte delle riviste di poesia degli anni Settanta e Ottanta, infatti, vengono fondate come tentativo di riempire il presunto “vuoto” letterario del decennio precedente; di conseguenza sono una officina di sperimentazione rilevante, trasversale alle correnti letterarie più note. Le riviste oggetto di studio sono le seguenti: «Tabula», «Tam Tam», «Altri termini», «Scarto minimo».
Copyright (c) 2020 Claudia Crocco https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La poesia in prosa nel modernismo italiano
Lo scopo di questo articolo è mettere in rilievo gli elementi di modernità nell’opera di cinque autori italiani di poesia in prosa, nati negli anni ottanta dell’Ottocento e attivi negli anni dieci del Novecento: Camillo Sbarbaro, Dino Campana, Giovanni Boine, Piero Jahier, Scipio Slataper. L’articolo ripercorre la bibliografia critica di questi autori, quindi mostra le caratteristiche innovative delle loro opere. La poesia in prosa viene presentata come una delle strategie attraverso le quali è stata espressa la crisi della referenzialità dell’arte, delle certezze religiose e dell’idea unitaria dell’anima umana che ha caratterizzato il modernismo.
Copyright (c) 2019 Claudia Crocco https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il contributo di Michail Aleksandrovič Petrovskij (1887-1937) allo studio della forma novellistica
A cavallo tra gli anni Dieci e gli anni Venti del Novecento M.A. Petrovskij – germanista, critico letterario e traduttore - lavora a una teoria della composizione narrativa con l’obiettivo di disegnare l’architettura funzionale del racconto, la sua “fisiologia”, vale a dire svelare i legami dinamici che intercorrono tra i suoi diversi componenti e che derivano dall’orientamento che ciascun procedimento poetico utilizzato nel testo assume. Nell’ambito di questo progetto di studio, il cui risultato finale avrebbe dovuto costituire una vera e propria “poetica della novella”, nel corso degli anni Venti Petrovskij pubblica alcuni saggi. In essi lo studioso russo coniuga, da un lato, un’impostazione teorica rigorosa, finalizzata alla puntuale definizione degli strumenti d’indagine e della loro terminologia e, dall’altro, un approccio pragmatico, il quale prevede di volta in volta la lettura ravvicinata di uno o più casi di studio. Nel presente saggio si mette in luce l’originalità dell’apporto teorico-concettuale delle ricerche di Petrovskij, puntando l’interesse su alcuni aspetti della teoria della composizione novellistica e prendendo brevemente in esame un caso di studio, quello relativo al racconto di A. Puškin ll colpo di pistola. L’analisi del primo dei cinque Racconti del defunto Ivan Petrovič Belkin offre a Petrovskij, tra l’altro, l’occasione per prendere posizione rispetto ad alcuni giudizi critici che il critico formalista B. Ėjchenbaum, fine studioso della prosa di Puškin e autorevole teorico della forma breve, aveva formulato in quegli stessi anni.
Copyright (c) 2019 Adalgisa Mingati https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
In dialogo con la poesia di José Ángel Valente
Il contributo include le poesie Nozione dell’alba, Verso la parola e L’assente.
Sezione monografica - “El sueño de la nada” (a Valente en los noventa años de su nacimiento)
Copyright (c) 2019 Antonio Prete https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione alla sezione monografica “I confini del saggio. Per un bilancio sui destini della forma saggistica”.
Sezione monografica: I confini del saggio. Per un bilancio sui destini della forma saggistica
Copyright (c) 2018 Federico Bertoni, Simona Carretta, Nicolò Rubbi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione alla sezione monografica “La poesia contemporanea dal 1975 a oggi”.
Sezione monografica - La poesia italiana dal 1975 a oggi
Copyright (c) 2017 Andrea Afribo, Claudia Crocco, Gianluigi Simonetti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Nei primi decenni del Novecento, mentre un già autorevole Benedetto Croce tuona contro l’insussistenza dei generi letterari sulle pagine della «Critica», si sviluppa anche in Italia, per quanto in forme frammentarie, una riflessione teorica sul genere del romanzo che ha tra i suoi più noti esponenti lo scrittore, traduttore e critico Giuseppe Antonio Borgese. Radicata nella tripartizione di matrice tedesca tra Epik/Lyrik/Dramatik, la riflessione di Borgese condivide numerosi elementi con quelle di studiosi suoi contemporanei come Lukács, Bachtin o Käte Friedemann e ha tra i suoi punti cardine il problema della non-identificazione tra autore ed eroe. Questo aspetto, sviluppato da Borgese tanto in chiave teorica che narrativa (in particolare nel romanzo Rubé), si trova espresso con particolare chiarezza in una lettera finora inedita inviata nel 1945 a Liliana Scalero, nella quale, avvicinando il proprio romanzo al Werther di Goethe, lo scrittore contesta le interpretazioni biografiche che avrebbero a lungo condizionato la ricezione della sua opera.
Copyright (c) 2021 Daria Biagi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’introduzione fa un rapido panorama delle recenti raccolte di racconti pluriautoriali dedicate al tema del lavoro e riflette sul perché una simile produzione merita attenzione da parte della critica letteraria. Vengono inoltre individuati e messi in evidenza i tratti principali che emergono dai contributi raccolti in questa sezione monografica.
Il lavoro nelle raccolte di racconti dagli anni Ottanta a oggi
Copyright (c) 2021 Filippo Gobbo, Mara Santi, Tiziano Toracca https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione al focus monografico su Antonella Anedda.
Sotto la lente: Antonella Anedda. Spazi, luoghi, paesaggi
Copyright (c) 2025 Claudia Crocco, Marco Villa https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«Gli europei non hanno fortuna nei rapporti con i cinesi»
Il presente contributo indaga la ricezione di Goethe nell’opera saggistica e narrativa di Alfred Döblin. Muovendo dall’analisi di alcuni scritti autobiografici dello scrittore berlinese e dai saggi Goethe und Dostojewski e Wissen und Verändern! viene delineata la complessa evoluzione del suo rapporto con il Classicismo di Weimar e viene messo in luce l’influsso della morfologia goethiana sul pensiero di Döblin. Sulla base dello studio degli scritti poetologici, vengono poi mostrati i punti di contatto fra il concetto classico dell’autonomia delle parti e l’epica moderna concettualizzata da Döblin. Infine, tramite l’analisi della struttura e degli elementi intertestuali nel romanzo dell’esilio Amazonas, ci si concentra sulla lettura döbliniana del tema faustiano.
Copyright (c) 2025 Claudia Cippitelli https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Muovendo da una prospettiva interna alla storia dei generi letterari, il saggio approfondisce alcuni tra i compromessi siglati tra la poesia e il mondo della prosa. Mentre su un piano teoretico gli esiti per molti versi problematici dell’incontro sono ancora oggi testimoniati da un uso ambivalente dei termini «paesaggio» e «spazio», le esperienze più direttamente riconducibili al «classicismo lirico moderno» recano traccia di adeguamenti sintomatici di un conflitto non del tutto sanato. In entrambe le direzioni, l’opera di Anedda costituisce un punto d’osservazione privilegiato.
Copyright (c) 2025 Michela Davo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«Il posto del paesaggio» nella poesia di Antonella Anedda
Questo articolo si propone di ricostruire le forme e le funzioni del paesaggio, inteso come spazio relazionale, nella poesia di Antonella Anedda. L’obiettivo è mostrare il ruolo strutturante di letture e referenti figurativi nella rappresentazione apparentemente in-mediata dell’incontro tra il soggetto e una porzione di natura in poesia. Una particolare attenzione è stata dedicata a due testi, Paesaggio (Dal balcone del corpo) e Esilii (Historiae), i quali consentono di illustrare come la meditazione sulla morte, sul corpo e sull’identità rientri, variamente declinata, nell’orbita del discorso sul paesaggio aneddiano.
Copyright (c) 2025 Emma Pavan https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’articolo analizza la relazione tra geografia, scrittura ed etica nell’opera di Antonella Anedda, adottando un approccio geocritico e geopoetico. Attraverso un close reading di testi in poesia e in prosa (in particolare Isolatria, Geografie, Notti di pace occidentale e Historiae), si evidenzia come mappe e confini non siano meri sfondi o temi, ma dispositivi formali e narrativi che articolano uno sguardo oscillante tra interno ed esterno, individuo e collettività, passato e presente. La mappa diventa mezzo di relazione tra sé e mondo, mentre il confine è continuamente rimesso in discussione. La scrittura di Anedda, ibrida per forma e prospettiva, costruisce uno spazio etico in cui la geografia si fonda su una rete di relazioni, includendo anche una riflessione sull’esperienza mediatica e sul rapporto tra esseri umani e ambiente.
Copyright (c) 2025 Martina Mileto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione alla sezione monografica Memoria. Il presente del passato.
Sezione monografica: Memoria. Il presente del passato
Copyright (c) 2025 Daniele Giglioli, Francesca Lorandini, Elsa Rita Dos Santos, Pietro Taravacci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La pièce Tanzcafé Treblinka di Werner Kofler, inscenata per la prima volta al teatro comunale di Klagenfurt il 12 maggio 2001, esplora memoria e oblio della Shoah in Austria. Il dramma è composto da due interventi che si susseguono senza lasciare spazio al dialogo. Nel primo, un anziano interprete (A) riferisce i suoi ricordi del nazionalsocialismo e della soluzione finale a un giovane (B). Nel secondo monologo B nega le informazioni che sono state riportate. Nello sviluppo della sua esposizione il personaggio sembra possedere conoscenze storiche, benché non abbia intenzione di ricordare gli eventi passati. Il titolo dell’opera allude alla biografia di Ernst Lerch, gestore nel dopoguerra di un’attività di famiglia a Klagenfurt e responsabile durante i primi anni Quaranta dello sterminio di massa nel Governatorato Generale. Richiama inoltre alla mente l’oblio misto a divertimento (Tanzcafé) e la memoria dei crimini nazisti (Treblinka). Werner Kofler’s play Tanzcafé Treblinka, premiered at the Klagenfurt Municipal Theatre on 12th May 2001, explores memory and oblivion of the Shoah in Austria. The drama consists of two speeches that follow one another without leaving room for dialogue. In the first, an elderly performer (A) recounts his remembrances of National Socialism and the Final Solution to a young man (B). In the second monologue, B denies the reported information. In developing his exposition, the character seems to possess historical knowledge, although he has no intention of remembering past events. The title of the work hints at Ernst Lerch’s biography, a post-war manager of a family business in Klagenfurt who was responsible for the mass extermination in the General Government during the early forties. Moreover, it calls to mind forgetfulness blended with entertainment (Tanzcafé) and memory of Nazi crimes (Treblinka).
Copyright (c) 2025 Daniele Robol https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«There were always the stories. And they weren’t just stories, they were the truth»
Come preservare la memoria quando le evidenze storiche non ci sono più? È possibile ricostruire una storia stratificata a partire da pochi resti lasciati da una cultura in via d’estinzione? Davvero le pietre rosse esposte in un negozio di souvenir sono dotate di «memoria e potere», come afferma la poeta nativo-americana Joy Harjo in "New Orleans”? Attraverso l’analisi di poesie selezionate dalla raccolta Weaving Sundown in a Scarlet Light: 50 Poems for 50 Years (2023), il saggio interroga il rapporto tra memoria individuale, storie ancestrali e sfide contemporanee. Nelle culture orali tradizionali, come quella nativo-americana, è l’arte del raccontare storie che ha il nobile compito di recuperare, tramandare e preservare la memoria. Per combattere l’amnesia, frutto dell’annientamento e dell’alienazione culturale indotti dal colonialismo e da pratiche assimilative aggressive, non resta che mettersi in ascolto della terra, amplificare le storie in essa contenute e ritrasmetterle di generazione in generazione. Tali storie hanno un’importanza fondamentale per Harjo, non solo perché recuperano dalle viscere della terra una memoria sepolta da millenni, ma anche perché arricchiscono la storia ufficiale con un controcanto capace di interrompere la storia coloniale. Sarà dunque a partire dalla terra che in questo saggio si esplorerà il ruolo della memoria nella poesia di Harjo e più in generale nella poesia nativo-americana contemporanea. How can memory be preserved when historical evidence is no longer there? Is it really possible to reconstruct a multi-layered history starting from a few remains left by a culture in danger of extinction? Do the red stones displayed in a souvenir shop really have “memory and power,” as Native American poet Joy Harjo believes in “New Orleans”? By analyzing a selection of poems included in the collection Weaving Sundown in a Scarlet Light: 50 Poems for 50 Years (2023), the essay explores the relation between individual memory, tribal stories, and contemporary challenges. In traditional oral cultures, such as the Native American one, it is the art of telling stories that has the noble task of recovering, passing on, and preserving memory. In order to combat the cultural amnesia resulting from the annihilation and cultural alienation induced by colonialism and aggressive assimilative practices, it is towards the earth that one must turn. By listening to the stories contained in it, by amplifying them, and by passing them down to the next generation, Harjo recovers a memory buried in the bowels of the earth for millennia, while also interrupting and complementing official colonial historiography with alternative truths. With the earth as its focus, in this essay I will explore the role played by individual and collective memory in Harjo’s poetry and more in general in contemporary Native American poetry.
Copyright (c) 2025 Lisa Marchi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Lo scambio tra sapere geografico e critica letteraria ha riconosciuto negli ultimi anni un incremento in seguito al recente spatial turn. In particolar modo, a partire dagli anni Duemila numerosi testi narrativi si sono interessati alla rappresentazione dei luoghi della quotidianità e dei territori periferici. Il seguente contributo propone il termine “ecobiografia” ad identificare le narrazioni in prosa incentrate intorno ad uno o più luoghi dei quali vengono descritte le dinamiche tra società e ambiente, adottando uno sguardo equidistante tra umano e non-umano. Attraverso Pianura (2021) di Marco Belpoliti e Una voce dal profondo (2023) di Paolo Rumiz, l’analisi mira a mettere in luce le caratteristiche stilistiche e tematiche che conferiscono all’ecobiografia una funzione socio-territoriale attiva, che riconosce un significato – storico, culturale e fisico – ai luoghi e all’ambiente. The exchange between geographic knowledge and literary criticism has seen an increase in recent years following the recent spatial turn. In particular, since 2000s, numerous narrative texts have focused on the representation of everyday places and peripheral territories. This article suggests the term “ecobiography” to identify those texts whose narrative revolves around one or more places and in which the dynamics between society and nature are observed through a perspective that is halfway between the human and the non-human. Through Pianura (2021) by Marco Belpoliti and Una voce dal profondo (2023) by Paolo Rumiz, this analysis seeks to highlight the stylistic and thematic characteristics that give ecobiography an active socio-territorial function, recognising a historical, cultural and physical significance to places and the environment.
Copyright (c) 2025 Irene Cecchini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Laila Ripoll es una autora señalada del teatro español contemporáneo, que ha dedicado una parte importante de su obra al tema de la Memoria. Como el radioteatro Guernica, el último viaje, dramatización de un episodio de la Guerra Civil que se ha convertido en un símbolo universal. El texto fue emitido en 2006, con motivo del 25 aniversario del regreso del cuadro a España en 1981. La historia revive a través de la narración del Toro, la Yegua y el Gallo, que aparecen en el cuadro, cobran vida, toman la palabra e interactúan con Picasso y otros personajes. El artículo recoge los resultados de la investigación sobre las estrategias y las técnicas de dramatización del acontecimiento. Entre ellas, destacan la animación y antropomorfización de las figuras del cuadro, la presencia de los muertos vivientes –característicos del teatro de Ripoll–, como Picasso, sus parejas y el arquitecto Josep Lluís Sert, que encargó la obra al artista en nombre del Gobierno de la República española, y el papel de Guernica (acontecimiento, lugar y pintura) como depósito de Memoria. Laila Ripoll is an outstanding author of contemporary Spanish theatre, who has dedicated an important part of her work to the theme of Memory. Like the radiodrama Guernica, el ultimo viaje, a dramatisation of an episode of the Civil War that has become a universal symbol. The text was issued in 2006, on the occasion of the 25th anniversary of the painting's return to Spain in 1981. The story is brought to life by some of the figures of the painting, the Bull, the Mare and the Cockerel, who come to life, speak and interact with Picasso and other characters. The article summarises the results of the research on the strategies and techniques of dramatisation of the event. These include the animation and anthropomorphisation of the characters of the painting, the presence of the muertos vivientes, characteristic of Ripoll’s theatre, such as Picasso, his partners and the architect Josep Lluís Sert, who commissioned the work from the artist on behalf of the Government of the Spanish Republic, and the role of Guernica (the event, the place and the painting) as a repository of Memory.
Copyright (c) 2025 Veronica Orazi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’articolo indaga il legame tra identità, nostalgia e memoria culturale in Cronorifugio di Georgi Gospodinov. L’obiettivo dell’analisi è esaminare i modi in cui il romanzo rappresenta le dinamiche e i rischi connessi alla riemersione nostalgica del passato nel contesto della società europea contemporanea. Affiancando gli strumenti e le tesi dei cultural memory studies ai ferri del mestiere della teoria letteraria, il saggio si focalizza su due importanti componenti romanzesche: il carattere autofinzionale della scrittura e i “cronorifugi”, stanze del tempo che permettono di fare esperienza del passato secondo modalità simili all’immersione nei mondi della finzione letteraria. Particolare attenzione è posta alla funzione bifida della scrittura (auto)finzionale, mediatrice tendenziosa della memoria culturale e allo stesso tempo strumento autentico di costruzione dell’identità personale. The essay explores the relationship between identity, nostalgia, and cultural memory in Georgi Gospodinov’s Time Shelter. The analysis aims to reflect on how the novel portrays the dynamics and risks involved in reconfiguring the past within the context of contemporary European society. Combining literary theory and cultural memory studies, the paper examines two pivotal elements of the novel, namely the autofictional genre and “time shelters”—time rooms that allow individuals to experience the past as if immersing themselves in the fictional worlds of literature. Particular attention is given to the double, ambivalent nature of (auto)fictional writing as both a biased mediator of cultural memory and a genuine tool for constructing personal identity.
Copyright (c) 2025 Luca Diani https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Manuel Rivas (A Coruña 1957), figura di spicco della letteratura galega contemporanea, vanta una produzione che spazia dalla narrativa alla poesia, dal teatro alla prosa giornalistica. A man dos paíños (2000), l’opera oggetto del presente studio, si configura come un trittico composto da un racconto di finzione che dà il titolo al libro (A man dos paíños), un racconto fotografico (O álbum furtivo) e un racconto giornalistico (Os náufragos). La principale peculiarità dell’opera risiede nella scommessa letteraria ed estetica del ‘contrabbando di generi’, in una felice metafora coniata dall’autore, da sempre refrattario agli incasellamenti, per riferirsi alla fusione di poesia e prosa, realtà e finzione, codice verbale e codice iconico. Nel presente studio si osserverà come questa commistione di generi, insieme al ricco apparato paratestuale, sia funzionale alla trasmissione della memoria, principale filone tematico dell’opera, nonché alla creazione di uno sguardo condiviso tra il lettore e l’emigrante/naufrago. Manuel Rivas (A Coruña 1957) is one of the most prominent contemporary Galician authors. His production ranges from fiction to poetry, theater to journalistic prose. The present study focuses on A man dos paíños (2000), which is divided into three parts: a fictional story (after which the book is titled), a photographic story (O álbum furtivo), and a journalistic story (Os náufragos). The main peculiarity of the work lies in the literary and aesthetic wager of ‘genre smuggling’. The author, who has always been refractory to pigeonholing, uses this metaphor to refer to the fusion of poetry and prose, reality and fiction, text and image. In the present study we will observe how this mixing of genres and codes, along with the rich paratextual apparatus, is functional to the transmission of memory and the creation of a shared gaze between the reader and the emigrant/castaway.
Copyright (c) 2025 Chiara Albertazzi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Lo studio intende analizzare l’interazione tra i meccanismi del ricordo e la rappresentazione del paesaggio in Distintas formas de mirar el agua (2015). Nel romanzo di Julio Llamazares, approdo di una ricerca estetica, attraversata da costanti tematiche e formali in cui la memoria assume un ruolo decisivo, il vincolo sentimentale intessuto con lo scenario naturale se da un lato si configura come la simbolica riparazione del dolore legato a una perdita, dall’altro consolida il valore attribuito alle storie di piccoli gruppi familiari: ad esse è demandato il compito di narrare il passato recente di una patria tradita, in cui l’alterazione degli equilibri naturali messa in campo dalle riforme economico-strutturali, promosse dal governo franchista, è solo una parte della violenza già subita dalla terra spagnola durante la Guerra Civile. This study focuses on an analysis of the interaction between the mechanisms of memory and the representation of landscape in Julio Llamazares’s Distintas formas de mirar el agua (2015). In this novel – which could be considered the culmination of a poetics in which memory plays a decisive role in its thematic and formal constants – the sentimental bond interwoven with the natural setting is configured, above all, as a form of symbolic reparation for the pain produced by a loss. Likewise, the author gives a structural value to the stories of small family groups, who are entrusted with the task of narrating the recent past of a betrayed homeland, where the alteration of the natural balance, caused by the economic crisis and the structural reforms promoted by the Franco government, represents only a part of the violence already suffered by the Spanish land during the Civil War.
Copyright (c) 2025 Ida Grasso https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La escritura del luto paterno y la reconstrucción de la memoria de vida
El objetivo del presente trabajo se sustancia en el análisis de dos ejemplos de memorias de duelo contemporáneas: Tiempo de vida (2010), de Marcos Giralt Torrente y No entres dócilmente en la noche quieta (2020), de Ricardo Menéndez Salmón. En la primera parte del trabajo, se contextualiza el interés que presenta este género literario en la actualidad y se razona sobre su validez como alternativa a la presentación homogénea de la intimidad en la esfera pública. A continuación, a partir de una reflexión sobre el pacto autobiográfico, se razona sobre la dimensión metaliteraria de estas obras. En particular, ambos autores cifran la dificultad de la escritura del duelo en la tensión entre la vivencia personal indecible y la necesidad de enmarcarla en una narrativa pública. En la segunda parte del artículo, se intenta reconocer la narrativa pública dominante en ambas obras –a saber, la aceptación de legado del padre en una época en la que ha perdido su valor simbólico– y los medios que utilizan ambos autores para su presentación y superación. This paper aims to analyze two examples of contemporary mourning memories: Tiempo de vida (2010), by Marcos Giralt Torrente and No entres dócilmente en la noche quieta (2020), by Ricardo Menéndez Salmón. Firstly, the importance of this subgenre is contextualized: it’s a valid alternative to the homogeneous presentation of intimacy in the public sphere. Next, from the concept of autobiographical pact, we reflect on the metaliterary dimension of these works. In particular, both authors consider that the difficulty of writing on mourning it’s found in the tension between the unspeakable personal experience and the need to frame it in a public narrative. In the second part of the paper, an attempt is made to recognize the dominant public narrative in both works –namely, the acceptance of the father's legacy in a time in which it has lost its symbolic value– and the means that both authors use for its presentation and improvement.
Copyright (c) 2025 Carlos Frühbeck Moreno https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il Portogallo come «passato che non passa»
La Tetralogia lusitana di Almeida Faria si costituisce come percorso erratico tra paesaggi e immaginari dell’identità culturale portoghese. Obiettivo di questo articolo è osservare attraverso le categorie della memoria culturale e dell’oblio la problematizzazione di queste coordinate nella saga e soprattutto nei tre romanzi successivi al 1974. Tematizzando la decadenza e i conflitti generazionali di una famiglia di latifondisti dell’Alentejo a cavallo della Rivoluzione dei Garofani, si osserva la centralità della rielaborazione di narrazioni e mitologie del passato nel tentativo di dare nuove basi al processo di autognosia nazionale. The Lusitanian Tetralogy by Almeida Faria represents an erratic journey through the landscapes and imaginaries of Portuguese cultural identity. The objective of this article is to examine the problematisation of these coordinates in the saga and especially in the three novels published after 1974 through the lens of cultural memory and oblivion. The novels address themes of decadence and intergenerational conflict within a family of landowners in the Alentejo region at the time of the Carnation Revolution. This paper aims to observe the process of reworking narratives and mythologies from the past as an important element in the attempt to provide new foundations for the process of national self-reflection.
Copyright (c) 2025 Eugenio Lucotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Sul buon uso della memoria in Antoine Volodine
L’articolo intende mostrare la centralità della dialettica tra memoria e oblio all’interno della letteratura post-esotica creata da Antoine Volodine nel corso degli ultimi quarant’anni. Grazie all’analisi di varie opere, tale letteratura viene interpretata come tentativo di rielaborare la fine dei movimenti di emancipazione di matrice comunista e di creare il surrogato di un’azione politica ormai divenuta impossibile: nascendo dall’impraticabilità del presente con il fine di ricostruire le condizioni di possibilità di un’azione futura, essa presenta un carattere transitorio e subordinato, funzionale alla trasformazione della malinconia per un mondo perduto in lutto, e quindi nuova vita. The article aims to show the dialectic between remembering and forgetting within the post-exotic literature created by Antoine Volodine over the last forty years. Through the analysis of various works, this literature is interpreted as an attempt to re-elaborate the end of communist-oriented emancipation movements and to create the surrogate of a political action that has now become impossible: arising from the impracticability of the present with the aim of reconstructing the conditions of possibility for action in the future, it presents a transitory and subordinate character, functional to the transformation of melancholy into mourning, and therefore new life.
Copyright (c) 2025 Emiliano Zanelli https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Multiperspective Fictions of Memory and the Implicated Narrator
Prendendo le mosse dall’intersezione di memory studies e teoria della narrazione, l’articolo esamina il multiprospettivismo come strategia narrativa particolarmente adatta ad affrontare le complessità della memoria collettiva nella narrativa contemporanea. Sebbene il multiprospettivismo sia spesso considerato come una strategia formale in grado di contrastare forme narrative dominanti, il contributo cerca di mostrare come le narrazioni multiprospettiche debbano andare oltre facili dicotomie per offrire una comprensione multidirezionale della memoria collettiva. Prendendo ispirazione da concetti quali post-memoria e soggetto implicato, propongo quindi la nozione di pseudo-multiprospettivismo per esplorare le potenzialità e i rischi della moltiplicazione delle prospettive e dei ricordi dei personaggi finzionali. Drawing on research at the intersection of memory studies and narrative theory, this article explores multiperspectivity as a storytelling mode particularly well-suited to engaging with representations of collective memory in contemporary fiction. While often celebrated as a narrative strategy that fosters perspective-awareness and enables counter-narrativity, I argue that multiperspective storytelling must move beyond simplistic dichotomies to effectively convey a multidirectional understanding of collective memory. Building on concepts such as postmemory and the implicated subject, I then introduce the notion of pseudo-multiperspectivity to examine both the potential and risks inherent in the proliferation of characters’ perspectives and memories.
Copyright (c) 2025 Gabriele D’Amato https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Modernismo letterario e pensiero antidigitale nella filosofia di Byung-Chul Han
Il filosofo contemporaneo coreano-tedesco Byung-Chul Han ha sviluppato negli ultimi anni una severa e dura analisi delle tecnologie digitali, valutate in modo estremamente critico nella loro essenza e nel loro impiego di massa, che innesca comportamenti psicologico-sociali estremamente negativi. In particolare, il discorso di Han si focalizza sull’idea di perdita di mondo; infatti, il digitale annulla il contatto con l’esterno e con le cose, non fa entrare in rapporto con la fisicità oggettuale, con il suo peso, il suo corpo e la sua consistenza contrappositiva. L’articolo si propone di analizzare la rilevante presenza nelle opere del filosofo della grande letteratura modernista novecentesca (soprattutto Kafka, Musil, Proust) e del pensiero coevo (W. Benjamin). Nelle opere moderniste si pongono situazioni fondamentali, a partire dalla non conoscibilità del mondo, dalla sua non disponibilità a una rapida e certa decodifica, che in quei testi sono portatrici di problematicità e che tuttavia rimandano, considerate con occhio contemporaneo, a un mondo in cui tali esperienze comunque sono fertilmente attive: traumatiche e destabilizzanti, cariche di resistenza o di uno scacco ma comunque presenti e operanti; quelle esperienze, pur nella loro negatività – anzi proprio per questa – sono dati psicologici ed epistemologici che oggi si sono persi.
Copyright (c) 2025 Andrea Rondini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Tempi di percorrenza di “Via del Popolo”
Il contributo intende analizzare la pièce teatrale Via del Popolo, opera autobiografica del drammaturgo e regista Saverio La Ruina ambientata nella strada omonima della cittadina di Castrovillari, luogo dell’infanzia dell’autore. Nell’opera la memoria emerge potentemente sia come tema – la memoria di un tempo privato e familiare che si intreccia con il tempo sociale, collettivo, storico – sia come pratica di costruzione della drammaturgia da parte dell’autore. Attraverso una contemporanea ars memoriae, che rimanda curiosamente ai precetti degli antichi trattati di mnemotecnica, La Ruina trasforma una piccola strada di paese in uno spazio mnemonico e scenico, dove rivivono figure e consuetudini locali scomparse, storie intime e comunitarie. The paper focuses on the pièce Via del Popolo, an autobiographical work by playwright and director Saverio La Ruina, set on the eponymous street in Castrovillari, the author’s hometown and the place of his childhood. In the play, memory emerges prominently both as a theme – intertwining private and familial recollections with collective, social, and historical time – and as a method of dramaturgical construction. Employing a contemporary ars memoriae, evocative of the principles detailed in ancient mnemotechnical treatises, La Ruina transforms a small village street into a mnemonic and scenic space where lost local figures, customs, and both intimate and communal stories are brought back to life.
Copyright (c) 2025 Angela Albanese https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Memorie rivisitate nella poesia di Ana Luísa Amaral
Con la metafora delle sale delle visite, la poetessa portoghese Ana Luísa Amaral presenta una concezione del ricordo e della rivisitazione, sia personale che culturale, che riduce la distanza tra vita vissuta e memoria, individuale e collettiva, abbracciando la coesistenza e la coabitazione dei tempi. In entrambi gli ambiti – personale e culturale – si compie un’operazione che possiamo definire, riprendendo le parole della stessa poetessa, di inverso o rovescio. La rivisitazione culturale, poetica o storiografica, non si limita a essere un semplice retelling di ciò che è già noto, ma diventa una riscrittura che colloca l’atto di ricordare in una dimensione intima, capovolgendo le prospettive tradizionali della memoria. Questo rovesciamento della memoria tradizionale apre la strada a una visione culturale e storiografica più inclusiva, capace di intrecciare il vissuto privato con il ricordo collettivo. La metafora delle sale delle visite sintetizza con efficacia la complessità di questo approccio, radicato in un equilibrio tra etica, libertà e intimità nel ricordare. With the metaphor of the visiting rooms, Portuguese poet Ana Luísa Amaral presents a conception of memory and revisitation, both personal and cultural, that reduces the distance between lived life and memory, whether individual or collective, embracing the coexistence and overlap of different times. In both realms—personal and cultural—a process takes place that we can define, borrowing the poet’s own terms, as one of inversion or reversal. Cultural, poetic, or historiographic revisitation is not merely a retelling of what is already known but becomes a rewriting that places the act of remembering within an intimate dimension, overturning traditional perspectives on memory. This reversal of traditional memory opens the way to a more inclusive cultural and historiographic vision, one that intertwines individual experiences with collective memory. The metaphor of the visiting rooms effectively captures the complexity of this approach, rooted in a balance between ethics, freedom, and intimacy in the act of remembering.
Copyright (c) 2025 Elsa Rita dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La ricezione delle poesie di Giuseppe Ungaretti nei paesi di lingua tedesca implica, da parte dei traduttori, uno sforzo doppio: mantenere le immagini surreali del poeta e, allo stesso tempo, l’elevatissima ambiguità dal punto di vista semantico. La traduzione in una lingua come il tedesco, inoltre, implica che il materiale linguistico che compone i testi risponda a norme diverse per quanto riguarda soprattutto sintassi, morfologia e formazione di parola. I testi poetici di Ungaretti, soprattutto nei primi decenni di ricezione nell’area di lingua tedesca (e precisamente dagli anni Trenta fino all’inizio degli anni Sessanta), vengono tradotti singolarmente sulle pagine di molte riviste e antologie, «reinterpretati» da numerose figure di intellettuali, cultori della letteratura italiana e lettori illustri. Dagli anni Sessanta in poi, il già corposo numero di traduttori di Ungaretti si arricchisce includendo personaggi di spicco della letteratura di lingua tedesca come Ingeborg Bachmann, Paul Celan, Hans Magnus Enzensberger e Hilde Domin. Questo continuo negoziato (che ha esiti singolari tanto prima quanto dopo lo «spartiacque» costituito dall’inizio degli anni Sessanta) determina la fissazione di punti di riferimento che possono essere ora letterario-culturali, ora prettamente linguistici. Proprio in relazione a ciascuno di questi punti di riferimento, ogni traduttore di Ungaretti decide di «adattare» o «disadattare» il testo tedesco rispetto all’originale. Il contributo mira a individuare gli aspetti linguistici (in termini di semantica, metrica, sintassi, morfologia, produttività, lessico) in cui avvengono tanto gli adattamenti quanto i disadattamenti.
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