XY. Rassegna critica di studi sulla rappresentazione dell’architettura e sull’uso dell’immagine nella scienza e nell’arte
XY. Rassegna critica di studi sulla rappresentazione dell’architettura e sull’uso dell’immagine nella scienza e nell’arte (e-ISSN 2499-8346) è una rivista scientifica semestrale che promuove ricerche sul ruolo dell’espressione figurativa come strumento di costruzione e comunicazione della conoscenza.
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Esperienze di visualità nei processi di rigenerazione urbana tra memoria, partecipazione e immaginazione
Il saggio intende esplorare il ruolo dell’immagine come strumento di riflessione critica e di partecipazione attiva delle comunità nelle pratiche di rigenerazione urbana. A tale scopo sono state individuate tre iniziative progettuali – 10 Porte sul Futuro, Luoghi Dismessi e Prossima Apertura, realizzate nell’area metropolitana di Roma e nel suo immediato hinterland –, accomunate dalla medesima finalità: la riappropriazione culturale e identitaria da parte delle collettività degli spazi in cui vanno ad intervenire in modo da risignificarli come luoghi. Gli spazi in cui i progetti insistono non presentano caratteristiche fisiche o topografiche omogenee, ma sono tutti manifestazione di una condizione di marginalità dell’abitare contemporaneo e, di conseguenza, di esclusione o precarietà per coloro che a vario titolo e anche per frammenti di tempo li “abitano”. Comune ai tre progetti è invece l’approccio: alle installazioni visive e alle opere iconiche è assegnato il ruolo di stimolare nuove interpretazioni e proporre narrazioni alternative di tali spazi affinché questi vengano riletti dalle collettività come luoghi delle possibilità e non come spazi residuali. Un approccio che, attraverso processi di co-progettazione partecipata, favorisce il dialogo tra lo spazio edificato e i suoi abitanti, per costruire consapevolezza e promuovere il ristabilimento delle indispensabili relazioni tra città e cittadinanza. In tale contesto il saggio mette in evidenza come i differenti caratteri dei prodotti visuali e delle dinamiche di interazione con la cittadinanza contribuiscano alla ridefinizione di tali spazi liminali, trasformandoli in risorse per la comunità.
Copyright (c) 2025 Elena Ippoliti, Carlo Settimio Battisti, Nicola Brucoli, Flavia Camagni https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Rovine commerciali. Analisi rappresentativa delle nuove marginalità dell’abbandono per il loro riuso adattivo
L’evoluzione della città contemporanea, dominata dalle logiche neoliberiste del consumismo, ha portato nell’ultimo secolo ad un urbanesimo centripeto, connotato da edilizia commerciale. Opere disseminate nelle periferie, geneticamente disattente all’estetica, nate per assecondare le logiche del mercato per poi perdere la loro funzione vitale ed essere abbandonate dopo qualche decennio, vittime delle nuove logiche del commercio digitale. Nascono così le “rovine commerciali”, generate come un’ulteriore semplificazione della ratio vitruviana, senza bellezza e private anche dell’utilità. La contraddizione insita nell’architettura consumistica riflette, in forma iperbolica, le dinamiche evolutive della città contemporanea, rendendo cruciale lo studio della rappresentazione per la sua capacità autoptica di rivelare trasformazioni e attivare processi rigenerativi attraverso il progetto. Oltre ad essere analizzate come prodotti, veicolano un linguaggio in continua evoluzione rispetto al contesto, infatti, seppur geneticamente uniformate dagli stilemi globalizzati del marketing e da strutture standardizzate, queste “macchine per vendere” risultano comunque dipendenti dall’ambiente e dalla cultura in cui si innestano. Risulta pertanto rilevante definire metodologie e processi per comprenderne i fenomeni rilevabili, individuando la struttura e l’immagine per indagarne le relazioni e i dinamismi, i meccanismi di adattamento e sopravvivenza dei segni. Le analisi rappresentative entrano nella loro evoluzione semantica per proporre processi di riuso adattivo volto alla rigenerazione sostenibile. Le rovine commerciali sono individuate paradigmaticamente in Austria, dove il tessuto edilizio, caratterizzato da un linguaggio architettonico tipico, è studiato nelle stratificazioni linguistiche, rivelando ricorrenze tipologiche che dissolvono la tradizionale frattura tra città storica e periferia, che nella sua marginalità si scopre ancora come potenziale incubatore di sviluppo.
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Osservatori periurbani. Il caso di studio della Cantueña nell’Area Metropolitana di Madrid
La parola “periferia” e la espressione “territorio periurbano” stanno generando attualmente una confusione concettuale, tanto nell’immaginario comune come nei dibattiti accademici, che si rispecchia nei diversi metodi di investigare e rappresentare zone non categorizzabili e impossibili da definire univocamente: zone marginali, irrisolte, residuali, in trasformazione, di opportunità. In seguito alla rapida espansione urbana delle grandi metropoli mondiali, sono stati elaborati a livello internazionale diversi approcci e nuove metodologie di indagine per capire e rappresentare l’indefinizione periurbana e ripensare alcuni concetti obsoleti della periferia, storicamente definita in contrapposizione e in dipendenza dal centro. Questo articolo espone il possibile uso di zone residuali come osservatori periurbani, ovvero come strumenti di indagine e di educazione visuale della collettività, sottolineando l’importanza dell’osservazione diretta. Si propone il caso di studio di un possibile osservatorio periurbano nel contesto della penisola iberica, nell’Area Metropolitana di Madrid: Los Cerros della Cantueña, un congiunto di quattro rilievi genericamente chiamati La Cantueña. Per la sua posizione elevata rispetto alla zona piana dove sorge, è infatti, oltre che riserva della biodiversità e parco pubblico, un punto privilegiato di osservazione: da questi rilievi sono visibili le zone industriali, i grandi centri commerciali, i blocchi residenziali dei nuclei urbani che orbitano intorno al centro di Madrid, le diverse infrastrutture viarie che li collegano a questo “centro” e il centro stesso.
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Una lente tra natura e morte. Cimiteri: la messa in scena di nuovi paesaggi ibridi, luoghi dove la simbiosi genera vita
I licheni sono un’associazione di specie: un vegetale originato dalla simbiosi tra un fungo e un’alga, in grado di trasformare un luogo apparentemente morto in uno spazio adatto alla vita. L’organismo prodotto da questa simbiosi è un individuo nuovo, sospeso tra il regno dei Fungi e quello delle Plantae. “Marginalità” non è solo la condizione presupposta dalla loro struttura biologica, ma determina anche l’ambiente in cui essi svolgono le proprie funzioni vitali: in uno stato che per la maggior parte degli organismi complessi sarebbe estremo, i licheni fanno della zona “liminale” il loro habitat. Classificati dalle scienze ecologiche come “specie pioniere”, abitano gli spazi conducendoli verso uno stato di transizione costante; grazie a loro, i luoghi residuali della morte hanno la possibilità di convertirsi in spazi pronti ad accogliere vita; attraverso i loro corpi – i talli – trasformano i vuoti distribuiti nella minuta rete ecologica che caratterizza lo spazio cimiteriale. Il percorso di analisi proposto nel testo esplora la condizione dei licheni – sia dal punto di vista scientifico che metaforico, e di conseguenza teorico – e la loro azione su un luogo anch’esso simbolo di marginalità: il Cimitero Monumentale del Verano. Il risultato sono delle immagini cangianti, sviluppate attraverso un’astrazione del metodo scientifico tradizionale, che restituiscono universi concentrici: immagini evocative, che si collocano nel solco tracciato a metà del secolo scorso da György Kepes, con The New Landscape in Art and Science; al fine di tentare di rappresentare la tensione che si sta sviluppando negli spazi abbandonati delle città e le possibilità che da questa scaturiscono.
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Alfabeto degli “spazi-tra”. Analogie e mutamenti dei luoghi in between
L’analisi urbana di tessuti fortemente storicizzati non sempre risulta di immediata lettura, soprattutto nel momento in cui si cerca una dimensione spaziale rarefatta e poco connotata da essere difficilmente definibile come quella degli in between places. Lo spazio in between – tra le cose – è il luogo delle connessioni, in cui il fuoco dell’indagine si sposta sulle relazioni che trascendono l’architettura materica, pur lasciandone intendere implicitamente la sua esistenza. Nell’atto dell’investigare sopra questo tema diviene, pertanto, necessario fare ricorso alla letteratura che anche solo marginalmente ha fatto riferimento a questo campo di indagine. Cosicché risulta evidente imbattersi in una casistica cospicua di definizioni che provano a connotare, sebbene definendolo con accezioni diverse, uno stesso concetto. Un concetto ambiguo, effimero, immateriale. L’obiettivo che la ricerca in oggetto si propone è dunque quello di rintracciare l’elemento “infra” quale parte costituente di un tessuto complesso e parte componente attraverso la quale «fabbrichiamo l’immagine della realtà» (Wittgenstein 1967: 177). Elemento non certo come dato semplice o semplificato, ma come momento elementare, e quindi nodo nel quale si condensa la massima complessità. Le considerazioni rispetto a fenomeni urbani di questo tipo permettono di includere all’interno della città questi nuovi territori contemporanei che, rifiutando tali meccanismi dicotomici, lavorano sugli aspetti e su organismi unificanti e quindi sulle aree di relazione, che trovano proprio negli in between della città il proprio sedime fertile. La ricerca, partendo dalla rilettura del rilievo di due città che si affacciano sul Mediterraneo, si avvale di operazioni di decostruzione, elencazione, accostamento, al fine di definire nuovi repertori di lettura della città, partendo dagli in between, intesi come luoghi che si oppongono ad una cultura dominante di “architettura piena”, ossia la predominanza dell’ambiente costruito rispetto all’incidenza delle interruzioni.
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Il rapporto uomo-spazio nel Barrio Mugica (Villa 31) di Buenos Aires: la necessità dell’abitare umano
Questo studio riguarda il rapporto tra uomo e spazio nel Barrio Padre Carlos Mugica, già Villa 31 di Buenos Aires, riconducibile alla necessità umana di abitare il mondo. Il rapporto tra uomo e spazio è la radice di tutte le Villas di Buenos Aires e argentine. Un rapporto che si basa sulla continuità uomo-spazio, sulla necessità dell’uomo di vivere e abitare lo spazio e quindi sulla sua connaturata attitudine a farsi spazio nello spazio per abitare il mondo. Il Barrio Mugica è uno spazio particolare, unico. Un organismo vivente, spaziale e umano, spontaneo e resiliente. Un luogo complesso in sé e al tempo stesso un luogo che contiene ed esprime la complessità della metropoli contemporanea. Nel Barrio Mugica la necessità dell’abitare umano esprime un particolare rapporto e una visibile integrazione tra uomo e spazio. Nel bisogno di occupare lo spazio – non soltanto per abitare il mondo ma anche per occupare un posto nel mondo e per affermarsi come umani viventi nel mondo – persone e spazi si integrano costruendo relazioni umane e spaziali, mentre il singolo individuo costruisce una duplice spazialità, fisica e mentale, materializzando attraverso un’autocostruzione architettonica il suo intorno fisico e il suo interno mentale. Spazialmente il Barrio Mugica non ha nulla a che vedere con gli spazi periferici delle grandi metropoli o con quelli ai margini dei centri urbani. La Villa 31 è uno spazio che si è sviluppato dentro la città, non fuori o ai margini di questa. Tuttavia può considerarsi periferico e marginale quando ci si riferisce a quelle periferie e a quelle marginalità sociali che Papa Francesco individua come periferie “esistenziali”, dove prevale “l’educazione alla sopravvivenza” (Bergoglio 2015). L’obiettivo di questo studio è far emergere storicamente e nell’attualità – anche attraverso un reportage fotografico dell’autore – la necessità dell’abitare umano espressa nella Villa 31 e il particolare rapporto uomo-spazio su cui la stessa Villa si fonda. Comprendere le necessità umane di vivere e abitare lo spazio e di occupare un posto nel mondo può essere utile al futuro delle Villas e al futuro delle persone che le abitano. Inoltre può essere anche utile, in futuro, a far ampliare e ripensare le visioni e le posizioni sulle Villas alle persone che le osservano.
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Tra il visibile e l’invisibile: la prospettiva del margine per le narrazioni dei luoghi sospesi
«L’arte non ripete le cose visibili, ma rende visibile» (Klee 1959: 76): l’interesse crescente per i luoghi in dismissione e marginali, sempre più presenti nei contesti urbani, industriali e rurali della contemporaneità, impone una riflessione approfondita sui linguaggi e sui dispositivi di rappresentazione che ne accompagnano e anticipano i processi di trasformazione (Maniglio 2010). L’articolo propone dunque di indagare il duplice ruolo della rappresentazione intesa tanto come dispositivo di riconoscimento quanto agente di trasformazione degli spazi marginali. Il riconoscimento implica l’atto rilevatore di qualità latenti e dimensioni invisibili; la trasformazione, invece, si fonda sull’atto rivelatore ovvero di reinterpretazione del contesto, per generare nuove forme di appropriazione e ritrovati valori identitari. Nella prospettiva del margine, la rappresentazione assume una valenza maieutica: un processo che, come nella tradizione socratica, “fa emergere” potenzialità spesso ignorate al confine tra naturale ed artificiale, intrecciando analisi e prefigurazione, riconoscimento e visione, assenze e permanenze, per spazi che sfuggono alla centralità dominante. Il concetto di luogo sospeso, inteso come spazio sfuggente alle categorizzazioni tradizionali, spesso marginale o in transizione, trova una potente eco nei linguaggi dell’arte, dell’architettura e della fotografia, proiettando una nuova visione estetica e culturale che sostiene possibili trasformazioni fisiche legate a esigenze funzionali, ambientali e sociali (Matta-Clark 1993). L’analisi quindi si concentra sul potere rappresentativo delle immagini nel risignificare questi luoghi, facendo riferimento a lavori di artisti e architetti che trascendono la documentazione oggettiva del territorio per focalizzarsi sulla dimensione sensibile delle relazioni tra comunità e paesaggio (Pierluisi 2022).
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Rappresentare il paesaggio ai margini, tra mappe non convenzionali e tecniche di sperimentazione grafica
La Convenzione Europea del Paesaggio (Firenze, 2000) ha ampliato lo sguardo dai paesaggi di eccezionale valore fino ai territori degradati, riconoscendo implicitamente il ruolo cruciale che tutti i luoghi assumono per la qualità della vita delle popolazioni, nelle aree urbane come nelle campagne. In tale prospettiva culturale e sociale diventano pertanto degni di una nuova attenzione i paesaggi del quotidiano, i paesaggi abbandonati, infine i paesaggi al margine. Riprendendo l’idea di margine messa a fuoco da Gilles Clément (Clément 2005) che ne ribalta il senso da pura area residuale ad ambiente complesso pronto a dispiegare il massimo delle sue potenzialità, il contributo intende esplorare il ruolo della rappresentazione nel ri-consegnare una forma al paesaggio, nel conferire significati attinenti alle parole dello stesso territorio, nello smontare, ri-comporre, conferire nuovi significati alle aree marginali (Tarpino 2016). Chiamando in causa la necessità di rendere espliciti i rapporti tra componenti visibili e invisibili, tra aspetti materiali e immateriali, di cui gli abitanti sono depositari e portatori in un contesto abitativo e paesaggistico, si intende pertanto rivolgere l’attenzione a quelle forme di rappresentazione in grado di lasciare emergere come anche i paesaggi ai margini vengono percepiti e vissuti, in una chiave al contempo descrittiva e propositiva attraverso l’impiego di mappe non convenzionali e tecniche di sperimentazione grafica che lasciano spazio a interpretazioni, visioni e progetti plurimi.
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L’immagine della montagna si è costruita intorno all’idea di un’entità connotata da una notevole massa a cui è stata spesso associata la percezione di essere una zona impervia. Questo luogo, caratterizzato da notevole altezza ed estensione e difficile percorrenza, ha segnato profondamente l’immaginazione umana tant’è che, nel corso dei secoli e in più culture, alla montagna sono stati attribuiti valori simbolici rappresentativi sia di un’idea di potenza che di trascendenza. Secondo il mito greco, la cima della montagna fu il luogo divino dell’unione fra la Terra (Hera) e il Cielo (Zeus) mentre in più religioni e culture l’idea di ascensione al cielo tramite la montagna fu avvertito come un percorso di purificazione, luogo di ritorno al “principio” e manifestazione del sacro. Ciò premesso, scopo del presente articolo è indagare alcuni scenari immaginifici che hanno connotato culture diverse sia temporalmente che spazialmente. Partendo dalla concezione gnoseologica dell’antico Imago Mundi, il primo scenario si propone di analizzare le relazioni se non equivalenze idiomatiche e concettuali tra immaginazione, utopia e montagna, fino a sfociare nei supposti gnoseologici dello Speculum Mundi dell’arte rinascimentale attraverso la rappresentazione della montagna in pittura. Nel rinascimento (Pinturicchio, Mantegna, Leonardo, ecc.), la montagna diventa parte di un paesaggio inscrivibile nella concezione di estasi, il fuori-di-sé in quanto connessione tra macro e microcosmo, sensibile e intellegibile. Il secondo scenario sviluppa il tema simbolico della montagna in ambito contemporaneo attraverso l’opera dell’artista cinese Yang Yongliang che, partendo dalla tradizione pittorica cinese di rappresentazione dei paesaggi montuosi quale celebrazione dell’armonia fra specie umana e Natura (nota come Shan shui), restituisce la montagna quale richiamo alla consapevolezza nei confronti di politiche consumistiche basate sul profitto e dei conseguenti disastri socio-ambientali.
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Montagne Cyborg. Metamorfosi post-belliche e post-minerarie nei luoghi di confine tra Trentino-Alto Adige e Sardegna
Il contributo antropico in termini geologici è ormai una componente ampiamente riconosciuta nel dibattito corrente, ma spesso concepita esclusivamente in termini oppositivi, estranei o perturbanti rispetto a una presunta naturalità originaria dei contesti di riferimento, in particolar modo se parliamo di montagna. Attraverso il confronto tra due casi studio distinti per localizzazione e genesi (bellica/estrattiva) ma accomunati da dinamiche e processi evolutivi, ci interessa analizzare quelle situazioni territoriali in cui il contributo antropico partecipa all’invenzione di parti di montagna, di nuove geografie e geologie ibride. Sia nel caso delle fortificazioni abbandonate della Prima Guerra Mondiale in Trentino-Alto Adige, che dei paesaggi post-minerari della Sardegna sud-occidentale, la montagna è passata attraverso un processo di artificializzazione tanto ex ante quanto ex post. Questi organismi mutanti mettono in discussione l'idea di manufatto arrivando a presentare un catalogo di nuovi rilievi, oggetti geografici e volumi geologici sparsi tra le Prealpi e l’Iglesiente, la Vallarsa e il Sulcis, all’interno di una cornice di elementi naturali creati dall’uomo. Questi fossili contemporanei si presentano come apparizioni topografiche alla scala territoriale capaci di riconfigurare interi comparti geografici attraverso processi di addizione, sottrazione o accumulo, diventando così prodotti di nuove archeologie che si pongono a metà strada tra paesaggio e architettura. In una sorta di alchimia ciclopica capace di rimescolare caratteri e attributi, il cemento si fonde con il granito, gli scarti dell'attività estrattiva si trasformano in risorse e paesaggi emergenti, andando a comporre organismi minerali con caratteristiche proprie, schegge geologiche risultanti da processi distruttivi o, all’opposto, produttivo-costruttivi, permettendo di ripensare la nozione di montagna e di naturalità alla luce di una strategia possibile di co-evoluzione.
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Racconti di-segni. Le montagne di Dino Buzzati
Considerato uno dei maggiori scrittori italiani del XX secolo e per questo più noto per l’attività letteraria che per quella grafico-pittorica, Dino Buzzati (1906-1972) ha consacrato il suo amore per la montagna con immagini concepite come racconti dipinti. Biografia e bibliografia confermano una vocazione per l’espressione visiva, parallela a quella per la scrittura. Questa doppia anima letteraria e figurativa si presta a valutare l’efficacia retorica delle immagini nel loro rapporto di complementarietà con le parole. Ai frutti della sua penna versatile si affianca l’esercizio delle arti visive nel disegno, nella pittura e nel racconto illustrato, per arrivare al fumetto. Tra le immagini dedicate alla montagna, spicca il richiamo alle figure retoriche della sua tempera più famosa, un duomo di Milano surreale (1958). La piazza diventa un altopiano alpino da cui svettano guglie e pinnacoli ispirati alla Cima Canali, che sciolgono come cera nei conoidi di deiezione che delimitano la scena agreste. La metonimia gioca con il bisticcio e l’anamorfosi, sottolineando nell’allegoria grafica il doppio uso delle due parole, con un evidente richiamo alla carica espressiva delle figure del linguaggio verbale. La montagna, carica di richiami simbolici, è una presenza ricorrente e metamorfica di paesaggi rarefatti, composti da pochi elementi essenziali e si trasforma in dune sabbiose, vulcani eruttanti, cumulonembi minacciosi o città turrite, come una palestra di espressione visiva. Essa offre lo spunto per un confronto tra due linguaggi diversamente legati alla possibilità di creare “figure”. I racconti grafico-pittorici dello scrittore, milanese di formazione ma “montanaro” di nascita ed elezione, sottolineano le relazioni tra il linguaggio grafico e quello verbale. Buzzati racconta le montagne a modo suo, come le vede e come le sente e le rappresenta in modo immaginifico: la libertà espressiva del disegno si sostituisce alla precisione della parola, lasciando comunque aperta la porta al sogno dell’immaginazione.
Copyright (c) 2025 Michela Rossi, Sara Conte https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Rappresentare per profili. La montagna descritta attraverso il suo contorno
Il profilo della montagna è riconosciuto essere uno degli elementi distintivi con cui si individua la montagna stessa, la sua lettura per contrasto con il cielo di sfondo che ne caratterizza l’iconica riconoscibilità. In tal senso, il contributo indaga la rappresentazione della montagna attraverso la forma grafica del profilo, inteso come il disegno che riproduce la linea estrema del suo contorno. Si pensi al profilo triangolare disegnato a mano libera come estrema sintesi del concetto di montagna, ma anche a quello dettagliato dagli alpinisti per indicare le nuove vie percorse; al profilo topografico come rappresentazione in scala su un piano cartesiano dell’andamento altimetrico lungo una linea planimetrica; al profilo artistico (tanto realistico quanto astratto) che l’illustratore disegna per descrivere la montagna attraverso accattivanti artefatti grafici; al profilo dei percorsi montani dell’escursionismo cicloturistico o delle grandi ed epiche corse a tappe; al profilo presente nei loghi di brand aziendali e territoriali in cui sono presenti montagne reali e immaginate. Il contributo si occupa con approccio tassonomico del variegato alternarsi di modalità e tipologie rappresentative del profilo della montagna che assumono simbolicamente il significato figurato di altrettanti modi e tipologie di guardare alla montagna con l’obiettivo di favorire chiavi di lettura visuali del suo ruolo di patrimonio identitario e condiviso.
Copyright (c) 2025 Simone Bori https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Tracce visibili, tracce invisibili. La trama della montagna come infrastruttura
Lo scenario delle terre alte d’Abruzzo, comprendenti il Parco Nazionale del Gran Sasso e Monti della Laga e il Parco Regionale Sirente-Velino è caratterizzato da alte cime che convergono su vasti altopiani. Le peculiarità geomorfologiche di questi territori dettano un certo tipo di interazioni antropiche come la pastorizia, l’agricoltura e la selvicoltura. Il risultato è quindi un territorio disegnato dalle pratiche e modalità di occupazione dell’uomo, legate alla messa in comune di risorse e beni. Questa trama è evidente non solo nelle tracce visibili, come quelle dei “campi aperti”, ma anche nelle tracce proprietarie e amministrative, apparentemente invisibili ma tali da avere accessi strategici per sfruttare ed usufruire delle risorse del territorio. Analizzando nello specifico questi luoghi individuiamo una rete di risorse che, tramite il “disegno del territorio”, identifica il patrimonio comune della montagna. Si può quindi pensare alla montagna come un’unica infrastruttura? Una trama costruita da innumerevoli relazioni e zone di contatto dove identificare gradi di collaborazione? Questo contributo vuole indagare un nuovo modo di leggere e rappresentare il paesaggio montano. Attraverso l’osservazione e la decrittazione di queste tracce possiamo modulare nuovi immaginari spaziali e rendere visibili le strutture nascoste, espletando e reinterpretando l’alfabeto fisico dell’antropogeografia. Un unico palinsesto composto da strati mai casuali, una trama disegnata e quindi progettata.
Copyright (c) 2025 Roberta Agnifili https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Interpretare il territorio alpino nel tempo attraverso la rete dei presidi d’alta quota
I rifugi in alta quota raccontano i tempi e i modi con i quali l’uomo ha conosciuto le Alpi. Nati come ripari, oggi compongono una rete di presidi sviluppatasi sui rilievi nel tempo, riflettendo le mutazioni socioeconomiche della storia. L’attuale contesto climatico e il crescente grado di fruizione mettono però in discussione la presenza e il ruolo di queste strutture in un contesto di fragilità come quello di alta montagna. Ipotizzare scenari futuri per le costruzioni in quota richiede una conoscenza approfondita sulla loro evoluzione e sul loro rapporto con il territorio. Ricostruzioni georiferite, diagrammi e strumenti interpretativi diventano il supporto principale al processo di analisi delle aree montane per comprendere lo sviluppo della rete di presidi nel tempo, interpretandone le dinamiche di fruizione e la relazione con il clima. A partire dalla creazione di un dataset inedito di 914 rifugi alpini italiani oltre i 1500 m s.l.m., individuati attraverso lo studio della letteratura, e dall’elaborazione dei relativi dati geografici, altimetrici, temporali e ricettivi raccolti, il contributo illustra l’evoluzione del rapporto tra uomo e montagna mediante l’utilizzo di rappresentazioni analitiche e interpretative. Connettendo queste informazioni con quelle climatiche e di rischio geo-idrologico, l’indagine propone un metodo per costruire un quadro conoscitivo utile a prefigurare scenari futuri. L’intersezione tra informazioni di tipo climatico, geo-idrologico e architettonico consente di esaminare il territorio alpino in un modo trasversale a più ambiti, utile a valutare la presenza e il ruolo dei rifugi e a evidenziare come, in futuro, la rete dei presidi d’alta quota potrà giocare un ruolo fondamentale nelle strategie di gestione sostenibile dei territori montani.
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I borghi montani italiani del Wisconsin. Hillbrows and Hilltowns di Robert Venturi
Hillbrows and Hilltowns (Venturi 1955, manoscritto inedito 225.XI.108, Venturi Scott Brown Collection, Architectural Archives, University of Pennsylvania) è il titolo del testo in cui Robert Venturi raccoglie le sue più profonde e spontanee riflessioni sul rapporto architettura-paesaggio, e nello specifico sul modo in cui piccoli borghi rurali punteggiano il paesaggio montano degli Appennini del Centro Italia. Scritto nel 1955, e da allora rimasto totalmente inedito, il breve saggio viene presentato per la prima volta con il duplice intento di portare l’attenzione tanto sulle radici teoriche del pensiero venturiano, quanto sulle necessarie pratiche di re-immaginazione del paesaggio montano italiano nella società contemporanea. L’ambizioso saggio dall’architetto italo-americano nasce dalle numerose esperienze collezionate a partire dal suo primo viaggio in Italia nel 1948, e proseguite negli anni di permanenza come fellow presso l’American Academy in Rome tra il 1954 e il 1956. La volontà di esplorare i più remoti borghi rurali italiani si intreccia in una duplice valenza identitaria per Venturi; infatti, se da un lato egli si reca nel piccolo paese di Atessa (Abruzzo) per esplorare il luogo natio di suo padre Roberto, dall’altro le armoniose visioni che queste architetture arroccate su cucuzzoli offrono di sé stesse lo suggestionano a tal punto da spingerlo ad una profonda analisi introspettiva circa l’identità dell’architettura americana. Nel testo Hillbrows and Hilltowns Venturi prova a rispondere alla difficile domanda: cosa è autentico? Quale architettura è autenticamente parte e espressione di una cultura, e in che modo questa può sopravvivere nel tempo senza interrompere il legame di reciprocità tra natura e architettura? Venturi porta a suo sostegno le opere realizzate da Frank L. Wright a Taliesin, costruendo un’interessantissima analogia tra un intero borgo medievale italiano e un’abitazione di nuova costruzione nel paesaggio americano in cui sembrano riecheggiare le parole dell’Alberti: «la città è come una grande casa, e la casa a sua volta una piccola città» (Alberti 1450, 1966).
Copyright (c) 2025 Francesca Sisci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Disegnare lo spazio, dare spazio ai valori
Espressioni urgenti tra scienza e società
Il saggio è una riflessione sul rapporto tra la visualità e le urgenze che scienza e società spesso vivono. L’assunto che il pensiero si strutturi per immagini e che le immagini guidino il pensiero fa da sfondo a una ricerca che attraversa il mondo della visualità. Grazie alle immagini e al disegno è possibile trovare risposte a questioni irrisolte (Friedrich Kekulé), proporre soluzioni per reagire a urgenze e necessità impellenti (Renzo Piano), ma anche denunciare e sensibilizzare riguardo questioni stringenti (Banksy). Nelle arti visive, la risposta alle crisi ecologiche assume varie forme, da grafici e infografiche che illustrano dati climatici, fino ad opere d’arte in cui l’azione dell’artista si fonde con quella del paesaggio in evoluzione, suscitando riflessioni sul rapporto tra uomo e natura. L’arte come strumento per affrontare le crisi sociali si concretizza in opere di protesta che spesso reinterpretano simboli radicati nell’immaginario collettivo e si esprimono attraverso la street art. Emergono anche iniziative per preservare queste opere tramite archivi digitali. Per comprendere cosa sta accadendo intorno a noi, anche le arti performative operano con sguardi trasversali, spesso rintracciando nelle interazioni tra virtuale e reale, urgenze sociali e ambientali. L’imminenza delle necessità si risolve nei linguaggi dinamici di reinterpretazioni ballettistiche, talvolta proponendo immagini grottesche che amplificano l’impotenza umana di fronte ai drastici cambiamenti epocali. Luci, coreografie sincopate e sperimentazioni in realtà aumentata propongono una molteplicità di sguardi che si integrano nelle gestualità contemporanee, per rivelare soltanto alcune delle possibili performatività urgenti.
Copyright (c) 2024 XY. Studi sulla rappresentazione dell’architettura e sull’uso dell’immagine nella scienza e nell’arte https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La cartografía fenomenológica como apropiación de lo habitado: Talleres Género y Ciudad en Málaga, España
El caso de estudio de talleres Género y Ciudad, desarrollados entre el 2011 y 2015 por el Ayuntamiento de Málaga (España), es un ejemplo de cómo la representatividad real permite la apropiación de la ciudad por parte de quienes participan en ella. Para ello, es primordial partir de un enfoque de dimensión de género para poder conocer la ciudad. La cartografía colaborativa in situ se presenta como metodología para el reconocimiento de los espacios cotidianos. Los primeros resultados propiciaron el debate sobre los problemas que ocurren en la ciudad, partiendo de la identificación de las dificultades individuales, para contextualizarlos en el barrio y en el espacio habitado. La representación de estos problemas es fundamental, pues el dibujo tiene la capacidad de nombrar. La idea de “lo que no se nombra no existe”, se traslada al dibujo. Lo que no se dibuja, no existe. El dibujo normativo del planeamiento trata aspectos como la tipología, la edificabilidad, la relación entre lleno y vacío, o la definición de lo público y lo privado. Pero las cuestiones cualitativas cotidianas como el miedo, la confusión, la incomodidad por la suciedad, el vacío de un solar abandonado o la soledad de las zonas productivas fuera del horario laboral, no se reproducen en ninguna planimetría y, por tanto, no forman parte del debate culto disciplinar. Este hecho favorece el proceso de privatización de los efectos negativos de la ciudad en las personas. Los resultados finales permitieron demostrar que el dibujo de cartografías colaborativas ayuda a visibilizar y nombrar los problemas. Y además se permite generar un sentimiento de pertenencia y de empoderamiento entre el vecindario de los barrios.
2001- Odisea en la Academia: ellas dibujan
La construcción de los espacios que habitamos no es neutra, como tampoco lo es la producción de conocimiento: ambos tienen un sentido cultural. El diseño se limita, jerarquiza y valora desde las estructuras de poder androcéntricas y la arquitectura, en realidad, universaliza como neutro un modelo masculino en el que el cuerpo de la mujer y el de las minorías están ausentes, reprimidos y olvidados. La pretensión objetiva científica y técnica ha dominado los procesos de proyecto desde las escuelas a través de un dibujo para el diseño y la construcción de los espacios. Desde la segunda mitad del siglo XX, esta representación codificada de la arquitectura ha ido evolucionando a un instrumento de análisis, interpretación, comunicación e incluso crítica, convirtiéndose en el medio a través del cual poder expresar sin palabras una oposición a lo establecido. En ocasiones, camufladas en proyectos fin de estudios surgen desde la propia Academia “otras” arquitecturas. Emergen desde el deseo común de transformar la realidad que les rodea, desde la resistencia, muchas veces desde el género. Estos otros discursos que plantean nuevas formas de operar en el espacio requieren otros procedimientos gráficos: proyectamos lo que podemos dibujar. En marzo de 2001, la arquitecta Izaskun Chinchilla presentó su proyecto fin de carrera (PFC) en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM). Bajo el título de Proyecto para la reforestación artificial del parque de Retiro de Madrid defendió una enorme y densa producción gráfica híbrida que fundía lo artesanal, lo digital, lo intuitivo y lo científico, y que anticipaba un imaginario más que humano ilustrado por unas arquitecturas menores ecofeministas.
Sulla performance. I caratteri ambientali nel progetto, dalla rappresentazione alla teoria
Nell’affrontare l’urgenza di rivedere i disegni architettonici sotto le pressanti richieste di sostenibilità, l’articolo considera i fondamenti teorici sulle prestazioni architettoniche e casi studio specifici, concentrandosi su architetti modernisti e contemporanei il cui lavoro si è impegnato a colmare le preoccupazioni sulla forma in relazione all’efficienza energetica, il comfort termico e il controllo del clima. Il diagramma della sezione, tracciando elementi tangibili e immateriali, emerge come uno strumento essenziale che ha il potere, da un lato, di consentire analisi e critiche e, dall’altro, di proporre e generare approcci progettuali e concetti spaziali rivisti. Per affrontare le attuali questioni socio-ecologiche, il contributo sostiene come si debba ricordare che la sostenibilità ambientale è allo stesso tempo una questione di rappresentazione, culturale e progettuale.
Il concorso per l'immagine della copertina
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Il disegno è l'idea dunque: è la forma vera della cosa
Ho raccolto la proposta di una riflessione sul disegno manuale privilegiandone l’aspetto “inventivo”, sia nei suoi modi incisivi, sia in quelli più di montaggio. Non conosco ancora strumenti di strutturata interazione tra esseri umani e macchine – quali le nuove interfacce neuronali, ecc. – e di riflesso, considero l’espressione “disegno digitale” un ossimoro. In italiano, infatti, disegno è parola polisemica, insieme nomen actionis, nomen acti e obiectum, in quanto designa contemporaneamente sia la concezione, sia la pratica esecutiva, sia infine l’esito del disegnare. Tali designazioni però costituiscono il dispiegamento di un pensiero “operazionale”, che si sviluppa cioè “intorno alle cose”, per formare immagini delle stesse. Un bildnerische Denken. Tuttavia è necessaria una distinzione essenziale del rapporto tra “pensiero”, “immagine” e “figura”. Secondo me non è data “un’immagine mentale” assimilabile a un disegno. Condivido pienamente l’opinione di Garroni che nella nostra esperienza, si formino “sensazioni”, “percezioni” e “immaginazioni”, cioè “immagini interne”, dinamiche, non ancora iconiche intorno alle quali il pensiero si raggruma fino a stimolare l’espressione di una prima figura. Tali figure/disegni costituiscono una base analitica del progetto in quanto identificano le fasi della sua fenomenologia formativa. E a tal fine, superando la loro denominazione generica (schizzi), ho provato ad identificare delle caratteristiche inventivamente tipiche in quattro classi di disegni inventivi, cioè: i “disegni di immagine” ovvero quelli iniziali, tracciati quasi come segni unici, nei quali cortocircuita l’ispirazione profonda e la prima razionalità dell’idea; i “disegni di schema” ovvero quelli che consentono di riordinare gli elementi costitutivi dell’immagine in un principio di struttura della sua forma; i “disegni di montaggio”, cioè quelli che caratterizzano il divenire dell’opera, ovvero i prodotti di un fare che inventa facendo e disfacendo e infine i “disegni di tracciato”, cioè quelli specifici della scrittura operativa del progetto. Atti terminali di quella ricerca razionale su di esso, per la puntuale, scoperta del suo “meccanismo” grammaticale e sintattico.
La componente temporal del dibujo manual
Mucho se ha escrito acerca de las diferencias (fundamentales y no) entre el dibujo creado con herramientas manuales y el generado gracias al uso de la tecnología digital. La presente investigación parte de la hipótesis que defiende la pertinencia de considerar la temporalidad en cualquier análisis del proceso que implica el dibujar. Así, y gracias a la serie de posicionamientos críticos que desarrollamos y que son consecuencia de los distintos enfoques que el parámetro temporal posibilita, proponemos una estrategia de análisis del dibujo manual inédita y fértil. La componente temporal del dibujo manual es aquella que, precisamente, mejor nos permite compararlo críticamente. El proceso (creación), el resultado (documento) y la interpretación del dibujo serán conceptos que redefiniremos gracias a la relación con el tiempo y que nos permitirán articular el discurso, primero, y la estrategia, después, de construcción de una clasificación contemporánea (en relación al mundo digital) del dibujo manual. La propia tensión de las líneas en el papel (Fraser, Henmi 1994: 163), así como su verbalizada percepción (Prinz 1991: 20) serán puestas en relación con ese país extranjero (Markus, Cameron 2002: 120) que supone el tiempo distinto del actual para explicar mejor los múltiples significados contenidos en el significante gráfico. Las conclusiones de la investigación subrayarán, de este modo, las limitaciones de las nuevas tecnologías aplicadas al dibujo al tiempo que permitirán alumbrar los motivos por los que, creemos, la construcción de imágenes gracias a la combinación de símbolos (significantes, manchas, colores, líneas …) que llamamos dibujo forma parte consustancial a la esencia misma de la raza humana y su relación social y con el medio.